Piano di studi

Master of Arts SUPSI in Theatre

Il Teatro di figura che gioca con oggetti e marionette come parte della stessa realtà dei marionettisti vivi può essere considerato il gemello del Physical theatre: il corpo, sia esso umano o artificiale, è soggetto alle leggi naturali della fisica.

La focalizzazione di entrambe i corsi di BA e MA presso l’ATD sta sullo studio e sulla pratica del corpo come mezzo primario di espressione in teatro.
Nella storia, il teatro basato sull’attore e sul corpo ha assunto molte forme e varianti. Oggi, “Physical theatre” è usato come termine ombrello per coprire questa diversità, mentre in precedenza termini come teatro di movimento, teatro non verbale, pantomima, mimo corporeo, Commedia dell’arte, teatro danza e teatro sperimentale erano i termini usati per indicare forme specifiche. Indipendentemente dal nome, un teatro di questo tipo parte dalla realtà fisica e considera il corpo umano e il suo movimento nello spazio e nel tempo come il suo fondamento.

Specializzazione in Physical theatre

Secondo il Routledge Companion to Theatre and Performance (edizione riveduta, 2017), “il Physical theatre denota in generale spettacoli che non iniziano con un testo teatrale scritto, ma che invece evolvono dall’adattamento di un racconto o di un altro testo non drammatico, dall’improvvisazione e dall’ideazione, dal movimento e dalla danza, o da un punto di partenza che è visivo, tematico o che supera i confini disciplinari”. Se si aggiunge la nozione chiave dell’attore creativo (“cre-attore”), che combina le tre funzioni di autore, regista e attore, questa è una descrizione appropriata delle pratiche creative e delle competenze necessarie che il corso ATD di Physical theatre intende trasmettere.

Scopri il Master - Specializzazione Physical Theatre

Specializzazione in Teatro di figura: teatro di materiali, di oggetti e di marionette

Il Teatro di figura si concentra su una forma di teatro che utilizza marionette, oggetti, o semplicemente materiali diversi al posto di attori viventi. Il suo fascino è il modo in cui la materia inanimata si mette in moto e quindi si anima, appare viva. Il “Teatro d’Animazione”, quindi, può essere inteso come un modello per il lavoro dell’attore nel teatro letterario o drammatico tradizionale: dare vita, la possibilità di esistere, ai personaggi di fantasia, la somma di parole “morte”.
L’aggiunta di questa nuova specializzazione al percorso del Physical theatre esistente sottolinea l’elemento centrale del programma di MA all’ATD, il mezzo espressivo del corpo. Mettendo a confronto l’umano vivo con il corpo materiale animato stimoliamo il discorso sul corpo stesso: cosa rende un corpo “umano”? Qual è il significato e il valore del corpo nella società contemporanea? Qual è il suo futuro?

Scopri il Master -Specializzazione Teatro di Figura

Struttura del corso Master

Sia per la specializzazione in Teatro di figura che per il Physical theatre, gli studenti sono invitati a presentare uno schema o un concetto rudimentale di un progetto creativo che desiderano sviluppare durante i loro studi. Nel corso del programma di MA i due percorsi si uniscono in corsi più generali di recitazione, movimento, composizione e drammaturgia.

Il programma di studi è costituito da tre gruppi di moduli. Questi comprendono corsi di base destinati a tutti gli studenti e laboratori orientati alle particolari sfide creative del Physical theatre o del Teatro di figura.

Primo gruppo - 'Campus' (moduli presi all'interno del Master Campus CH)

  • Seminari dedicati agli aspetti pratici e teorici del teatro, all’analisi delle performance, alla ricerca artistica, alla gestione dei progetti
  • Ricerca individuale (all’interno e all’esterno dell’ATD) relativa alla specializzazione dello studente e ai requisiti del progetto

Secondo gruppo - Agire e mettere in scena (moduli presi all'interno dell'ATD)

  • Corsi pratici di formazione fisica, recitazione e animazione della materia inanimata
  • Metodi di ideazione di uno spettacolo teatrale
  • Workshops per la ricerca pratica nel movimento / Workshops per la costruzione di oggetti e marionette per lo spettacolo

Terzo gruppo - Produzione e riflessione teorica (ATD)

  • Messa in scena ed esibizione di un breve pezzo originale à
  • Ideazione ed esibizione di un pezzo d’ensemble messo in scena da un regista
  • Specializzazione Physical theatre: sviluppare un progetto di Master dall’idea all’esibizione / Specializzazione Teatro di figura: sviluppare e presentare uno spettacolo Master come lavoro di gruppo (2-4 membri)
  • Oltre alla parte pratica della produzione del Master è necessaria una riflessione teorica, da presentare sia come saggio, sia come recitazione di una relazione, sia in un’altra forma scritta o visiva che combini diversi media.

I primi due semestri del programma di Master si basano sui gruppi 1 e 2. L’obiettivo di questi corsi introduttivi è quello di offrire strumenti per l’analisi di una performance da un lato e di esplorare le possibilità creative della scenotecnica contemporanea dall’altro. Il terzo e il quarto periodo si concentrano sui moduli del terzo gruppo. Esso offre una grande varietà di corsi con l’obiettivo comune di incoraggiare gli studenti ad essere audaci e avventurosi sia come creatori che come interpreti.

Competenze e obiettivi del corso Master

Recitazione - Competenze per l'attore

I corsi sono concepiti per sviluppare le capacità fisiche e mentali dell’attore in tutte le loro sottili sfumature. L’insegnamento si concentra in egual misura sull’allenamento fisico, la recitazione e l’animazione quali mezzi di preparazione, che si arricchiscono a vicenda, per l’attore creativo. Gli esercizi quotidiani preparano il corpo all’uso come strumento articolato di espressione. Le basi della marionettistica, la costruzione di oggetti scenici e la trasformazione del materiale come atto teatrale vengono trasmesse in un workshop.

Cosa comunicare - trovare e definire un tema

I corsi sono orientati alla ricerca pratica e alla preparazione teatrale del materiale selezionato. Nel lavoro di gruppo gli studenti sono invitati a comunicare le loro idee e a suggerire modi per svilupparle. Gli studenti imparano a cambiare prospettiva dall’attore allo spettatore e viceversa. I temi sono esplorati attraverso l’improvvisazione e la sperimentazione, presentati ai colleghi in varie fasi del lavoro in corso. Il processo creativo individuale, quindi, è parte di un continuo scambio e dialogo con gli spettatori designati che forniscono un feedback, sottolineando così il fatto che il teatro è una forma di comunicazione.

Drammaturgia - creare una struttura

Le lezioni di drammaturgia indagano strutture e forme narrative adeguate a temi e storie specifiche. In questo senso, la drammaturgia è lo studio di come organizzare le azioni sul palcoscenico. La drammaturgia offre un insieme di strumenti per la creazione teatrale, mentre allo stesso tempo agli studenti vengono date linee guida su come valutare criticamente il proprio lavoro e quello dei loro colleghi.

Messa in scena

I corsi di questa sezione offrono agli studenti metodi e tecniche che li aiutano a trasferire le loro visioni sul palcoscenico. Sviluppiamo e proviamo diverse modalità di composizione scenica e consideriamo l’importanza di specifici stili di recitazione. La domanda cruciale è: come posso creare quel momento, quell’immagine o quell’atmosfera speciale che viene trasferita alla memoria degli spettatori, preservando così la transitorietà dello spettacolo nel tempo?

Analisi e riflessione

È fondamentale per il programma fornire un ambiente stimolante per l’esplorazione teatrale. Promuoviamo un’atmosfera di apertura e franchezza nel gruppo di colleghi per condividere spunti e critiche, e incentiviamo a rispondere in modo analitico e riflessivo, piuttosto che giudicante, alle presentazioni degli studenti. Imparando a percepire un’azione scenica a tutti i suoi livelli di comunicazione, gli studenti adottano i metodi per monitorare i propri processi creativi. L’analisi e la riflessione sono importanti per sviluppare un progetto da un’idea, a un pezzo abbastanza maturo da essere presentato al pubblico.

Metodi di insegnamento

Il formato principale per l’insegnamento è il workshop. Ogni workshop di questo tipo è un laboratorio artistico che offre sia un allenamento professionale che uno spazio libero per sperimentare nuove idee. Un piccolo staff di docenti specializzati nella regia, nella coreografia, nell’animazione teatrale, nelle diverse pratiche sceniche come pure nella storia e nella teoria del teatro, segue gli studenti nello sviluppo dei loro progetti di Master e delle loro finalità artistiche. Il nucleo dello staff è completato da insegnanti ospiti, tutti esperti nei loro campi con una lunga esperienza nella recitazione e nell’insegnamento.
Prestiamo particolare attenzione all’importanza del gruppo, composto da soli 6 – 7 studenti in una o l’altra opzione di specializzazione nel Master of Arts in Theatre. Il gruppo di studenti può fungere da gruppo di discussione, pubblico, gruppo artistico, classe di critici o consulenti.

Profilo del candidato

Il requisito per la domanda di ammissione al programma di MA è un diploma di Bachelor in teatro drammatico, Physical theatre, danza, arti circensi, animazione teatrale o un diploma equivalente. Gli aspiranti studenti senza un diploma accademico possono essere ammessi in base al loro eccezionale talento artistico.

Inoltre, i candidati sono tenuti

  • a mostrare un forte interesse a lavorare all’interno di una delle due forme specializzate del Physical theatre o del Teatro di figura: teatro delle marionette, di materiali, di oggetti
  • a definire l’area e il tema della loro esplorazione artistica e formulare domande alle quali cercano risposte nel corso dei loro studi
  • a delineare un progetto creativo che diventerà il loro lavoro di laurea

Prospettive di carriera

L’idea e la struttura del programma di MA si basa su anni di esperienza pratica e competenza nelle forme specialistiche del Physical theatre e del Teatro di figura – la loro storia così come le loro attuali manifestazioni sul palcoscenico professionale e la loro rappresentazione nel curriculum delle scuole di teatro. Lo staff del programma è composto da professionisti, artisti di scena e registi attivi a livello internazionale che lavorano presso l’ATD o vi sono affiliati, oltre che da teorici. Durante i loro studi, gli studenti hanno la possibilità di frequentare corsi presso altre scuole di teatro o di formarsi con compagnie teatrali per conoscere il lavoro professionale del teatro contemporaneo. Il contatto quotidiano con gli studenti e gli insegnanti e il lavoro congiunto su progetti selezionati introdurranno gli studenti ad una varietà di opportunità dopo gli studi.

Partner ufficiali

Scuole e accademie di teatro

  • Master Campus Theater CH
  • E:UTSA – Europe: Union of Theatre Schools and Academies
  • Dipartimento di Teatro Alternativo e Teatro delle Marionette, Facoltà di Teatro, Accademia delle Arti dello Spettacolo, Praga (Master of Arts)
  • Dipartimento di Marionettistica e Dipartimento di Gioco e Oggetto, Università di Arte Drammatica Ernst Busch, Berlino
  • Bachelor Puppetry and Animation, Istituto delle Arti dello Spettacolo, Università Statale di Musica e Arti dello Spettacolo, Stoccarda
  • Scuola di Visual Theatre, Gerusalemme

Compagnie e istituzioni teatrali

  • Teatro Continuo, Malovice, Repubblica Ceca
  • Società Svizzera di Studi Teatrali
  • Società per la Ricerca Artistica
IT